En parcourant le dédale visuel du cinéma, les affiches se révèlent être des points de repère essentiels. Ces alliages ingénieux d’art et de stratégie commerciale captent l’attention des spectateurs bien avant la première scène. Grâce à leurs appâts visuels raffinés, ils suscitent l’intérêt, font mijoter la curiosité et glissent subtilement des indices sur l’intrigue sans en déflorer le mystère.
Néanmoins, vous avez peut-être remarqué une certaine homogénéité dans la conception des affiches de cinéma, des parallèles intrigants dans la structure, le choix des couleurs ou la typographie. Pourquoi cette apparente uniformité ?
Cet article s’apprête à lever le voile sur l’énigme des affiches de cinéma qui se ressemblent et à explorer les tactiques de promotion visuelle à l’œuvre.
Historiquement, l’affiche de film, c’est quoi ?
Les noms plus importants que les visages
Au commencement de l’histoire du cinéma, lorsque les studios ont commencé à produire des affiches pour promouvoir leurs films, l’accent était mis sur les noms des acteurs plutôt que sur leurs visages. Cette pratique peut sembler contre-intuitive à notre époque où les visages des célébrités sont omniprésents, mais elle a une explication simple et logique.
En effet, au cours des premières années du cinéma, la technologie d’impression disponible n’était pas aussi avancée qu’aujourd’hui. La reproduction de photographies ou de portraits détaillés était encore difficile et coûteuse. Par conséquent, les affiches de film du début étaient dominées par des graphiques et des dessins illustratifs, où le texte – notamment le nom des vedettes – tenait une place prédominante.
La reconnaissance des noms des acteurs était également liée aux habitudes du public de l’époque. Les spectateurs de théâtre, par exemple, étaient plus habitués à voir le nom des acteurs avant que le spectacle ne commence. Le nom d’une vedette était souvent un facteur clé pour attirer le public. Ainsi, l’industrie cinématographique a adopté cette stratégie de mise en avant des noms pour capter l’attention du public et le pousser à aller voir le film.
Clint Eastwood, l’un des précurseurs du genre nouveau
Clint Eastwood est indéniablement l’un des visages les plus emblématiques du cinéma mondial, et son influence sur l’affichage du cinéma est tout aussi significative. Avant Eastwood, le visage des acteurs n’était pas le facteur principal de promotion des films. Cependant, lorsqu’Eastwood a commencé sa collaboration avec Sergio Leone dans les années 1960, cette tradition a changé.
Eastwood avait déjà une certaine notoriété grâce à son rôle dans la série télévisée “Rawhide”. Toutefois, c’est sa collaboration avec le réalisateur italien Sergio Leone qui l’a catapulté au rang de superstar internationale. Ensemble, ils ont créé une trilogie de westerns spaghetti, dont “Le Bon, la Brute et le Truand” est sans doute le plus emblématique.
Les affiches de ces films mettaient en avant de manière proéminente le visage d’Eastwood, contribuant à établir un lien fort entre l’acteur et son personnage à l’écran. Ces affiches, souvent très stylisées et graphiques, ont permis de transformer le visage d’Eastwood en un symbole puissant pour le film tout entier.
Cette mise en avant du visage, plutôt que du nom seul, était une innovation majeure. Elle a contribué au succès de ces films, car le public pouvait maintenant identifier immédiatement l’acteur avec son personnage. Ce changement d’approche a non seulement renforcé la célébrité d’Eastwood, mais a également servi de modèle pour la promotion des films à venir.
La technique utilisée pour l’affiche de “Le Bon, la Brute et le Truand”, mettant en avant le visage d’Eastwood, est devenue un élément marquant de l’affichage des films. Elle a aidé à démocratiser cette approche et à la rendre courante dans le monde du cinéma.
Le phénomène Star Wars, le film qui va tout changer
“Star Wars”, la franchise célèbre de George Lucas, a également apporté une contribution significative à la manière dont les acteurs et les personnages sont présentés dans les affiches de films. Il s’agit d’un exemple particulièrement intéressant, car la franchise a réussi à maintenir un équilibre délicat entre la présentation du casting de ses films et l’incorporation d’éléments fantastiques qui caractérisent l’univers de Star Wars.
Les affiches de la première trilogie de Star Wars, par exemple, dépeignent les acteurs principaux – Mark Hamill, Carrie Fisher et Harrison Ford – dans des poses héroïques, tandis que d’autres éléments, tels que les vaisseaux spatiaux, les planètes et les créatures bizarres de l’univers Star Wars, sont également présentés de manière proéminente.
Cela a permis de présenter les acteurs comme des parties intégrantes de l’univers Star Wars, plutôt que comme de simples instruments de vente. Ils ne sont pas simplement des visages sur une affiche, mais des symboles d’une franchise de science-fiction complexe et captivante.
Avec les trilogies ultérieures, Star Wars a continué à utiliser cette approche, tout en y ajoutant des éléments modernes. Par exemple, dans l’affiche de « Star Wars : Le réveil de la force », le visage de Daisy Ridley, qui joue Rey, est présenté de la même manière que ceux des acteurs de la première trilogie, établissant un lien visuel fort entre les différentes générations de la franchise.
Un phénomène qui vient d’Hollywood
L’argent au-dessus de l’esthétique
Effectivement, les affiches de cinéma sont de plus en plus uniformisées, en grande partie à cause de clauses contractuelles qui dictent les détails que chaque affiche de film doit comporter pour être approuvée. Cela va de l’éclairage et du maquillage utilisés pour les portraits des acteurs, jusqu’à la taille et la position de leur image sur l’affiche.
Par exemple, il n’est pas rare de voir sur une affiche, un acteur ou une actrice plus cloqué que les autres ou situé au centre pour indiquer son rôle de premier plan en raison de son statut d’acteur connu ou établi. Parfois, les contrats stipulent même que l’image d’un certain acteur doit être un certain pourcentage plus grand que celle des autres acteurs.
Cette hyperprésence des acteurs sur les affiches est aussi encouragée par les acteurs eux-mêmes qui y voient une opportunité de renforcer leur image de marque auprès du grand public. Plus leur visage est visible, plus les gens sont susceptibles de reconnaître leur nom et leur visage, ce qui peut leur conférer une plus grande valeur sur le marché du cinéma.
En outre, les décisions relatives à l’affiche de film sont souvent prises en fonction de la commercialisation et non de la créativité ou de l’esthétique. Les producteurs savent que les visages des acteurs bien connus attirent le public, et ils sont donc mis en avant, bien souvent au détriment du contenu thématique du film lui-même.
Des codes très bien établis
Dans l’industrie du cinéma, il existe en effet des codes graphiques et esthétiques très établis pour les affiches de films, qui dépendent souvent du genre du film. Ces codes aident à signaler instantanément au public le type de film qu’il va voir.
Par exemple, pour les films d’action ou les thrillers, les affiches vont souvent favoriser une palette de couleurs plus sombre, avec du rouge, du noir et du blanc, une police grasse et parfois du texte incliné pour créer un sentiment de mouvement ou de tension. Les personnages principaux sont souvent représentés en gros plan, avec des expressions intenses et une éventuelle arme à la main.
Pour les comédies romantiques, on retrouve souvent sur les affiches un couple principal en gros plan, avec une lumière douce et des couleurs vives, généralement des pastels. Les polices sont souvent cursives ou légères pour donner une sensation d’amusement et de légèreté. Pour les films dramatiques, les affiches ont tendance à comporter des couleurs plus atténuées et un style un peu plus minimaliste, avec une police simple et élégante, centrée en bas de l’affiche.
Ces codes sont bien établis et facilement identifiables par le public, ce qui favorise la compréhension immédiate du genre du film. Cependant, ils ont aussi leurs inconvénients. Tout comme la surutilisation des visages des acteurs sur les affiches, ils peuvent nuire à la diversité et à l’originalité des affiches de cinéma, et finir par toutes se ressembler. De plus, ils peuvent parfois enfermer les films dans des cases et empêcher une représentation plus subtile ou nuancée du contenu du film.
Conclusion
Les codes graphiques et esthétiques sur les affiches de films sont de précieux outils de communication. Bien qu’ils puissent sembler réducteurs et limiter la créativité dans certains cas, ils jouent un rôle crucial dans la mise en place des attentes du public et la transmission rapide d’informations clés sur le film.
Cependant, il est aussi important de noter l’émergence de nouvelles tendances qui cherchent à briser ces stéréotypes et à explorer de nouvelles voies dans la conception d’affiches de films.
